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lunes, 10 de julio de 2017

Volvió el Korean Attack 007

El día 2 de julio una nueva edición de Korean attack se realizó en el Centro Cultural Chacabuco con la participación de fandancers y shows para competir con sus coreografías mezcladas de kpop y, las películas más taquilleras y conocidas del séptimo arte.


El k-pop es la música popular de Corea integrado por varios géneros musicales, proveniente de Corea del Sur, caracterizado por estar constituido por variados elementos audiovisuales. El término es usado mayormente en un estricto sentido para describir la moderna forma de música popular surcoreana en la que se usa varios géneros musicales como el dance pop, la balada pop, la música electrónica, el rock, la música hip hop y el R&B.

Este género crece cada día en el continente Latinoamericano por los adolescentes y adultos jóvenes que se vuelve furor por sus diversas coreografías, sus grupos femeninos tienen principalmente vídeos llamativos con muchos colores y el de hombres predomina el color negro, en sus grupos participan entre siete o diez personas, con perfectos movimientos que siguen un baile.

Sus inicios fueron en 1992 gracias al grupo Seo Taiji and Boys. La visión de Taiji, músico y compositor Surcoreano, de experimentar con música occidental dio como resultado un cambio contundente en la industria de la música Surcoreana. A mediados de los 2000, gracias a artistas como Wonder Girls, Rain, Girls Generation y Super Junior, pero sobre todo gracias a YouTube y las redes sociales, el K-Pop como lo conocemos hoy en día logró expandir su música perfectamente producida por todo el mundo y en 2012 fue un gran catalizador mundial con Gangnam Style.

En el concurso se presentaron más de 15 equipos, aunque siempre mezclan el kpop y doramas, (dramas coreanos) y películas asiáticas, esta vez la temática fue una búsqueda entre la unión de proyectar las películas más populares seguido de los videos con las bandas a quienes les hacía tributo cada equipo, en los que participaron varios mixtos, algo poco común entre sus artistas.

En el espacio había un lugar destinado a pasar solo videos, vendían desde estampitas hasta ropa y bolsos con los slogan de sus grupos favoritos y una gran variedad de golosinas, poco Coreanas pero del agrado de sus visitantes y fans como las donas y cupcakes. Finalmente los espectadores que eran el público y jurado votaron a sus favoritos.
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Almacén de Gerli

Un espacio para narradores independientes

 El Almacén de Gerli es un resto bar donde se pueden degustar ricos platos. En la decoración del lugar se pueden hallar objetos utilizados en décadas anteriores que traen recuerdos gratos.
En sus paredes se ven desde un semáforo hasta un calentador Bram-Metal.

En el bar se pueden encontrar desde long play de vinilo hasta una cornamenta.



Un carrito de bebé tal vez, de los años cincuenta o sesenta.
 Su propietaria, Miriam Felani, decidió ceder su espacio, el segundo domingo del mes, a Mabel Delgado, narradora-escritora y docente. Hace ya cuatro años de ello, y Mabel se encuentra muy contenta ya que comenzó narrando historias para adultos. Ella misma se puso la meta de no repetir temas, "por los vecinos, para que no se aburran", y sin proponérselo, comenzó a buscar cuentos y poemas. Además descubrió que hay muchas personas que se dedican a la narración oral y buscan un espacio donde realizarlo. No dudó. Comenzó a convocara todos aquellos que quisieran narrar historias de manera independiente.
-"Tuve un lugar que se llamaba mil quinientos donde venían personas a narrar. Ése lugar cierró. Entonces me propuse buscar un lugar por Avellaneda. Encuentro éste Almacén, me enamoró éste bodegón, hablé con Miriam y me dijo que viniera en el mes de Marzo. Lo hice y ya hace cuatro años que estoy."

Máscaras, banderines, una bicicleta de niño y faroles completan el lugar.
Mabel nos cuenta muy entusiasmada que no es el único lugar donde se presenta:" Tengo otro lugar muy lindo LA TRAMA está en CABA, Méjico al 1500, donde nos reuninos el segundo y el cuarto  sábado del mes. Yo practicamente no narro porque hay tanta gente que lo hace, es tan grande ésta movida, hay tantos unipersonales, tantos grupos narrando que es una maravilla. La gente no sabe lo que es ésto. Siempre tengo que hacer la comparación con Luis Landrisina." Cuando le preguntamos sobre el grupo que se presenta ésa tarde nos dice lo siguiente:" Hace, mas o menos, cuatro  años que conozco el grupo Aires de Cuento,me gusta mucho".  

Una publicación compartida de Miriam Felani (@almacengerli_) el


El lugar estaba repleto, de pronto nos acercamos a un espectador y le preguntamos cómo la está pasando, y nos dice lo siguiente: "Me llamo Roberto, es la primera vez que vengo. Llegué hasta acá porque soy seguidor del grupo de narración, a pesar de que soy de Avellaneda, no conocía éste lugar. Es acogedor, la comida es muy buena, y la propuesta de un espectáculo diferente el fin de semana me resultó atractiva. Voy a venir seguido".

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domingo, 9 de julio de 2017

Rosquellas y un tesoro: La Batalla de Ayacucho

La fachada del CCK con los inconfundibles tonos de la bandera argentina

COMIENZOS DE LA ÓPERA EN ARGENTINA

Entrando la tarde, el Centro Cultural Kirchner ubicado en la antigua oficina del Correo Central de Buenos Aires, es el sitio indicado de dar espacio al amplio abanico artístico que en Argentina se torna interminable con el devenir de los años.

El protagonista del evento es un misterio a develar. Segundo a segundo, los anfitriones desentrañan la madeja de información respecto a él. Son Margarita Pollini y Lucio Bruno-Videla, los encargados de repasar la vida del padre de la ópera en el país. El personaje que cargó de matices la historia de la música argentina, impregnando su huella en uno de los territorios que más lo aclamó.  
Retrato de Mariano Pablo Rosquellas, padre de la ópera en Argentina


Ojos negros que hipnotizaron a las porteñas. Su dueño, Mariano Pablo Rosquellas, estrenó una noche de 1825 en Buenos Aires "El barbero de Sevilla", la obra más famosa de Rossini en lo que se consideró el nacimiento de la ópera en Argentina. Este misterioso hombre fue un cantante, actor, violinista, compositor, director y empresario teatral madrileño, activo en la ciudad entre 1823 y 1833, cuyas melodías eran las encargadas de movilizar al pueblo argentino ya independizado.


IMPORTANCIA Y DETALLES DE SU TRABAJO

Rescatamos algunas palabras junto al director de orquesta, Lucio Bruno-Videla, al frente de las tareas de recuperación de esta sinfonía y esto ha comentado:

¿Qué lugar ocupa esta obra en la historia de la música argentina?
Encontrar partituras escritas en territorio argentino durante el siglo XIX es muy difícil en la actualidad. Hallar obras grandes, sinfónicas y de este estilo, lo es aún más. Había toda una tradición del género batalla que data de muchos siglos antes, en época renacentista. Con comienzos en España, los organos en ese país tenían cierto registro de trompetas para emularlo el sonido de estruendos, representando la lucha entre dos bandos. Esto tenía que ver, además, con las batallas simbólicas entre moros y cristianos. Y en América Latina, Rosquellas trae aquello de Europa con esta épica de lucha y heroísmo a partir del siglo XIX. Su aporte a nuestra música es de suma relevancia, se trata de una obra simbólica de todo un género de batalla sinfónica del cual casi no se tienen registros. Y es un gran logro que nuestro país cuente con este tesoro.

¿Qué debemos tener en cuenta a la hora de escuchar "La batalla de Ayacucho" para apreciarla mejor?
Una sinfonía es la acción de sonar en conjunto. En la época de Rosquellas esta definición era mucho más amplia; una obra de importancia y relativa longitud, escrita para orquesta con dos variables básicas. La pieza unitaria que podía durar entre 5 y 10 minutos, también llamada abertura o una obra en tres o cuatro partes de carácter diferente y/o contrastante. Esta segunda versión es sobre la cual se posa La batalla de Ayacucho. En esta sinfonía, los cuatro movimientos o partes son las siguientes:
El primero movimiento está compuesto de un largo, lo cual significa una entrada muy, muy lenta. Luego un allegro maestoso que significa una melodía movida, de caracter más gestuoso y un allegro assai que significa muy movido. El segundo movimiento es la batalla en sí, mencionada como allegro assaiEl tercero es la marcha fúnebre y el cuarto es allegro, o sea, movido.

Hablando técnicamente es una partitura programática, es decir, inspirada en elementos extra-musicales. Una batalla como inspiración, es un elemento que no pertenece a la música misma. Y además es una partitura simbólica, porque posee un discurso con tópicos sonoros que el público de la época podía decodificar y en muchos casos aún los puede reconocer o identificar, por ejemplo las fanfarrias del ejercito que se escuchan en la orquesta, los bombos utilizados como cañones.

La obra es cíclica. Contiene elementos que se presentan transformados en los diversos movimientos. En realidad este detalle es una apreciación personal, ya que esta característica en realidad se desarrolla unos setenta años después. No responde al formato de la sinfonía clásica llamada vienesa. Rosquellas utiliza el recurso de la espacialidad de la música, el sonido que hoy llamamos estéreo.  

Es así como estilísticamente, La batalla de Ayacucho (1832) es la culminación del estilo musical militar que existió en el Buenos Aires de la época. Y que concluyó con esta y la canción "Al veinte y cinco de mayo" compuesta por Massini y dedicada a Rosquellas (1832).



TAREAS DE TRANSCRIPCIÓN, EDICIÓN Y RECONSTRUCCIÓN DE LA OBRA

No se sabe si la partitura hallada es un manuscrito original de Rosquellas, pero sí se tiene claro que es un material de la época. Se trata de "particella", parte individual de un instrumento en una obra orquestal. En la batalla de Ayacucho hacía falta la partitura del director, donde cada uno de los instrumentos estuvieran ubicados verticalmente. Los manuscritos que posee la familia Rosquellas en Bolivia, y que han cedidos, corresponden a 14 instrumentos, algunos individuales y otros a dos por parte.

Parte de la reconstrucción consistió en ver donde se encontraban los huecos en las partituras para incorporar esos sonidos procurando intervenir o modificar el estilo de Rosquellas lo menos posible, este trabajo sólo fue necesario en el primer movimiento. La transcripción significó el traspaso nota por nota, signo por signo, punto por punto, del formato de manuscrito al de edición realizado manualmente mediante el programa de edición "Finale". El segundo paso fue el de edición, para constatar y tomar decisiones sobre lugares dudosos, revisar errores involuntarios de la copia. Reconstitución y reconstrucción en referencia a que las partes fueron sumadas en el trabajo final, para hacer de ellas un conjunto y se completaron, respetando la composición del autor, a fin de no dejar huecos en la obra.


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Heresiarcas, la necesidad tiene cara de hereje


Heresiarcas Rock




Tarde de ensayos

En un altillo de una gran casa con ladrillos a la vista, se reúnen los componentes del grupo de rock independiente HERESIARCAS. Gerli los vió nacer como banda y los acoge cada fin de semana cuando ensayan. El lugar es amplio y se respira música. Allí mismo los observa con mirada paternal, un cuadro de Bob Marley, como apoyando en camino que está cursando la banda.


Altillo/sala de ensayos/ estudio de grabación: La consola en primer plano
 ¿Cómo surgió la idea de formar una banda?
-"Nos conocíamos con Kalu y Jorge, comenta Juan Manuel, yo estaba en otra banda y se presentó Jorge como sonidista. Un día en un ensayo, agarra una guitarra y juntos nos ponemos a tocar temas conocidos. Eran algunos temas de él que a mi me gustaban, y me dí cuenta que era el estilo de música que  me gustaba más a mí. Así arrancamos. Algunos de ésos temas están en nuestros discos", acota Jorge.
Continúa con su relato Juan Manuel: "Se acuerda que había tocado con Pato en otra banda, y ahí mismo lo llama.Vino a un ensayo, le gustó, se sumó. Seguimos así unos meses preparando temas y ensayando, pero necesitábamos bajos. Entonces lo llame a Kalu."
"El último que se sube al tren es Tony -aclara Pato, mientras nos amplía datos con sus recuerdos- y viene a colaborar con el grupo, ya que Jorge canta la mayoría de los temas mientras Tony lo apoya con guitarra. Queríamos crecer con nuestro repertorio, pero también mostrarlo. Comenzamos por Avellaneda, hay lugares cercanos que no son tan accesibles, pero comenzamos al fin."
-¿Dónde fue el debut?
- "Hicimos nuestro debut en un lugar que se llama ROQUEALA, que está ubicado en Pavón y Entre Ríos, ahí nos quedó un contacto muy bueno con ésa gente, ya que nos convocan a menudo, también estuvimos en el escenario de MUTAR, donde fue nuestra segunda fecha y nos llamaron un par de veces más, también tocamos en ZADAR en el barrio de Wilde. Y también concurrimos a CABA, a San Telmo en MOD -en algunos lugares que no existen más como SPEED KING, LA CAPILLA- salimos a mostrar lo nuestro.

Mates, amigos, buena música: la combinación perfecta.

¿Les costó llegar al primer disco? ¿Como se llama? 
"Si. Tenemos un primer disco. No tiene nombre. En realidad el título es: HERESIARCAS EP. Lo grabamos acá, en nuestra sala/estudio, donde la mayor parte del trabajo de sonido lo hizo Jorge con sus conocimientos en la materia, y cuando ya no podíamos avanzar más con lo que era la mezcla y la posterior masterización, allí decidimos recurrir a un especialista que es TRIPTICO RECORDING STUDIO, en Lanús. Un amigo Alejandro Maglio que nos brindó una mano y sus conocimientos. Lo hicimos independientemente, la ilustración es de otro amigo: Pablo Soler. Y lo editamos nosotros. Todo artesanalmente."
El sonido es la especialidad de Jorge y nos narra como surgió el hecho de que empezaran a grabar:" Yo me había comprado una consola y un día dijimos ¿por qué no grabamos la batería? nos gustó como quedó y atrás de la batería grabamos la primer guitarra, luego el bajo, y vimos que nos gustaba y listo. Pero llegó un momento que se nos iba de las manos, escuchábamos las grabaciones, pero no dábamos en el clavo. Ninguno de nosotros es operador de sonido ni ingeniero en audio. Vimos que el material que teníamos grabado estaba bueno y que le faltaba muy poco." Juan Manuel aclara," Era importante llevarlo a alguien que sepa de mezcla, masterización, alguien que nos entienda que queremos lograr y, para que termine de completarlo, porque al disco se le termina dando la forma post-grabación" 

Subir un escalón

Los muchachos le ponen mucho esmero y pasión a lo que hacen, por eso obtuvieron éstos logros
Al tener un disco ya se tiene un material tangible, palpable y audible, y hay algo que  mostrar. Empiezan a sumarse amigos.

Pato se entusiasma con su historia, y nos relata con viva emoción sus recuerdos:"Al principio nos hicimos un canal de youtube donde subíamos vídeos ensayando, o algún amigo nos pasaba un vídeo hecho con el celular donde se escuchaban todos los ruidos que hay más la voz de él mismo que está hablando o riéndose, y se lo sube con orgullo porque es lo único que se tiene además, y se lo sube para que todos lo vean y lo compartan. Ahora tenemos un disco: con tapa, contratapa, cinco canciones propias, mezcladas, masterizadas... que lo podemos presentar en una radio, podemos hacer un show que es el lanzamiento del primer trabajo discográfico. Repartimos la mayor cantidad posible,también con nuestros amigos que están más cerca, y después dijimos: vayamos a tal radio, o a las redes donde teníamos la banda. Teníamos material bien hecho en un estudio. Esto ocurría por el año 2014. Empezamos a ir a las radios: una de las under más conocidas en capital, que presenta rock en castellano es FM LA BOCA. También fuimos a Radio Rivadavia a ser entrevistados por un Tal Jorge- no supieron el apellido- que tenía voz de AM (Juan Manuel nos cuenta que fue el lugar donde se sintieron que estaban en una RADIO, allí se respetaban los silencios, y se encontraban todos los tips propios del lugar).Promocionamos el disco a lo largo del año 2015.


Para ése fin de.  año, hicimos un show en GALPÓN B , con invitados, con unas gráficas muy lindas, un lugar amplio, fácil de llegar desde zona sur, donde hicimos la despedida del año, la oficial. Fuimos invitados por la gente de Racing Club, para la inauguración de la cancha de hockey sobre césped en el TITA MATIUSSI. Fuimos con ciertas dudas, ya que era al aire libre y no sabíamos como era la organización. Superó ampliamente nuestras expectativas ya que fue todo muy bueno: la gente que organizó, los espectadores, el sonido fue increíble. Para el 2016 aparece un personaje importante en la vida de HERESIARCAS: El COLO Rodriguez, quien nos dá un voto de confianza muy importante y nos convoca a grabar un segundo material. LA MECA ESTUDIO SALA, que está aquí en Gerli, -República del Líbano y Bustamante-El baterista se acerca y quiere destacar lo siguiente:" Cuando conocimos al Colo, quizo remasterizar el primer disco. Le contamos que teníamos más material y nos propuso realizar nuestro segundo proyecto. Es muy buena gente. Nos dió una gran mano para sacar un producto estéticamente bueno y agradable.Ahí fuimos a buscar a nuestro segundo artista: Nacho Flores quién diseñó el disco."

¿Cómo decidieron el nombre del segundo disco?
 "Ésta vez sí elegimos un nombre: La primavera de Vaslav, por la historia de Vaslav Nijinsky, un MUTAR BAR -Laprida y Ameghino, Avell- para exhibir nuestro nuevo trabajo discográfico, con muy buena recepción. Hicimos una fecha en el EMERGENTE DE ALMAGRO,en el mes de mayo, y próximamente, el 5 de agosto nos presentaremos en EMERGENTE BAR, Gallo 333 CABA. Nos gustaría cerrar el año de locales, algo que podamos gestionar nosotros, algo acogedor, familiar como un club o sociedad de fomento, donde puedan asistir menores con sus padres, sin restricciones, no corran con los horarios."
Las tapas de ambos discos: el segundo tiene una estética definida y colorida.
bailarín ruso, excelso, transgresor, rupturista, fuente de inspiración para otros bailarines y artistas  para su época. Las cinco composiciones propias de éste segundo disco son más introspectivas las letras, a diferencia del primero que marcaba más furia, sacar ése enojo que teníamos dentro. Nos pareció que era un buen paralelismo con la vida de éste artista que se vió acosado por sus miedos y terminó esquizofrénico. Una vez que teníamos nuestro disco, nos presentamos en
¿Tienen bandas amigas?
-Cuando empezás a conocer chicos pura y exclusivamente porque vos tenés una onda y el otro pibe también y se encuentran a través de la música nada más, éso es genial! Encontramos mucha gente a partir de ir a FM LA BOCA, intercambiamos datos, nos relacionamos. La experiencia que venimos sumando te hace ver que el mundo del rock es muy chico. En nuestra vida han aparecido grupos como JUGLARIA, o los de PURO BARRO,comienza a haber intercambios, gente que los sigue nos comienza a escuchar a nosotros, etc. Está bueno tener amigos con quien poder contar. Es más agradable tocar entre tres bandas, que tener que ir a tocar solo a Mataderos, donde no nos conocen. Tambien es cierto que,a la hora de ir a buscar lugar para una fecha,ir solo que ir a golpear la puerta entre tres bandas. Está bueno que te tengan en cuenta. Que la mayor cantidad de gente posible, vinculada al mundo del rock, conozca la propuesta de HERESIARCAS, el nombre, cómo nos manejamos y lo que hacemos."





Integrantes:
Jorge Ibarra - Voz y guitarra-
Patricio "Pato" Belcastro - Guitarra-
Juan Manuel "Kalu" Muñoz -Bajo-
Juan Manuel García -Batería-
Gastón "Tony" Niram -guitarra-

webcal://www.facebook.com/ical/u.php?uid=100000070535177&key=AQArBQbLK7OeWXCH


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sábado, 8 de julio de 2017

Artistas que alzan la voz por sus derechos

Federico Lisorski habló desde su oficina del tercer piso en un edificio de Capital Federal, donde siempre cumplió con sus obligaciones autoimpuestas; miembro de la Unión de Músicos Independientes (UMI) y guitarrista de la agrupación Ardilla.


FORMACIÓN Y PRIMEROS PROYECTOS

La Unión de Músicos Indepedientes surgió en 2001, meses antes del estallido social. Los compositores en aquel momento denunciaron diferencias en los costos de realización física de sus discos. Actualmente son once personas al frente de esta asociación civil sin fines de lucro, esto como parte formal, pero según palabras de Lisorski cualquiera con intensiones de participar tiene las puertas abiertas.

Cuenta con más de 6500 músicos asociados, pero sólo son cuatrocientos quienes abonan la cuota al mes y acceden a los beneficios de la Unión. Uno de sus objetivos es que el 30% de los asociados pueda pagar la cuota.

Los requisitos para asociarse son pagar la primer cuota que es de $60 y continuar al día mes a mes. Con un integrante de la banda asociado, todo el grupo puede participar de las actividades. 

¿Qué hizo que aportaran en la realización de la Ley de la Música?
Esto ocurrió en 2006 cuando Néstor Kirchner era presidente, se reglamentó una ley llamada “Ley del Ejecutante Musical” número 14.597 del año 1958. La misma atrasaba, no aportaba nada bueno a la actualidad de esta rama. Vos tenías que rendir un examen para que te den un carnet donde constaba que eras músico. Si no tenías esa papeleta y tocabas en un show, hacías ejercicio ilegal de la profesión. Nadie podía decir quien es músico y quien no. No existe como título. Por esto hicimos varias manifestaciones y asambleas en el Hotel Bauen donde participaron más de mil personas. En conjunto con números intérpretes autoconvocados llegamos a la reunión con el presidente. Se comunicó el desacuerdo ante la ley vigente, y Kirchner nos planteó crear una nueva que consideráramos lo suficientemente representativa. Ese fue el puntapié inicial para el surgimiento de esta legislación, desde un espacio mucho más amplio que esta institución.

"En el proyecto están las adhesiones de diversos artistas como Teresa Parodi, Charly García, Gustavo Cerati, Mercedes Sosa, León Gieco, La Mona Gimenez, entre otros. Se armó en seis años, Spinetta fue quien corrió la voz para que tomara fuerza entre los más reconocidos ya que debía abarcar a todos los músicos y no sólo a los independientes. Era necesaria."

¿Cuál es su definición de "músico independiente"?
Músico independiente es aquel que autogestiona su carrera y que posee pleno conocimiento de la misma y sus facultades para decidir que hacer con ella. Tanto en lo artístico como en lo económico.



CONTINUIDAD Y VISIONES A FUTURO

¿Consideran que hubo avances a través de los años?
Sí, se levantó el piso de lo que es el artista que tiene conocimiento integral acerca de todos sus derechos. Ellos saben cada vez màs de sus derechos, los lugares donde tienen que ir, que deben hacer. Subió la cantidad de información que tienen a su alcance. Hoy al menos el 10% sabe, lo cual es un montón, pero muchos aún no. Incrementó el hecho de como relacionarse con la producción, antes no se tenía ni idea de que era una fábrica de discos y hoy los músicos saben cuales son, y pueden pedir presupuesto por sus trabajos. Quizás de acá a diez años estará super incorporado que no hay que pagar para tocar, que la relación es 70-30, si las condiciones están dadas.  

"La UMI no debería existir. Estas asociaciones no deberían existir si estuviésemos en una sociedad donde la música esté valorada de otra forma. Esto surgió por necesidades, como todas las leyes. Si la situación fuese otra, no debería existir. Tendrían que ir a SADAIC y ese ser el lugar. Herramienta valiosa pasó a ser la Unión de músicos Independientes, pero no tendría que serlo si los derechos a la información se garantizaran en otro organismo."

A futuro buscan profundizar lo mencionado en el articulo 65 de la Ley de Medios. No sólo por la importancia de la difusión sino también en cuanto redistribución de la riqueza. Y continuar informando a los músicos. Antes de asociarse les brindan una charla meramente explicativa donde luego queda en ellos entrar a UMI o no, trata de varios temas y entre ellos cómo registrar canciones, cómo cobrar por SADAIC. Distintas leyes para ellos e información variada y relacionada a sus derechos.

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